Na endlich. Im August erschien ihr Album in Schweden, da hießen sie nur Serenades. Da sollte die Platte „Criminal Heaven“ auch nur ein schönes Nebenprojekt der beiden guten Stockholmer Freunde Adam Olenius (Shout Out Louds) und Markus Krunegård sein. Seitdem ist ein großes US-Label auf den Plan getreten und wollte die Platte im Januar groß international rausbringen. Deswegen traf ich die zwei im Dezember vor ihrem Auftritt bei den BR Open. Seitdem wurde die VÖ mehrfach geschoben, aus dem Namen Serenades wurde We Are Serenades. Diesen Freitag nun steht endlich offiziell auch bei uns ihr Album in den Läden, also macht es endlich Sinn, unser Interview zu posten.

Wie lange kennt ihr zwei euch schon, und wann habt ihr erstmals geplant, auch gemeinsam Musik zu machen?

Adam: Wie lange kennen wir uns jetzt?

Markus: Es kommt jedenfalls aufs Gleiche raus, oder? Das eine kam mit dem Anderen.

Adam: Stimmt, wir kannten uns erst wenige Monate, da haben wir in meiner Wohnung schon unsere ersten Songs aufgenommen. Das klang damals schon ziemlich gut, wir fanden nur nie die Zeit. Wir hatten damals drei Songs, und dann schrieben wir vielleicht immer so ein, zwei, drei neue pro Jahr.

Markus: Ich glaube wir müssen schon 2007 angefangen haben.

Adam: Als wir dann mal sieben, acht Songs beisammen hatten, fanden wir, jetzt sei eine gute Zeit, ein Studio zu buchen und Nägel mit Köpfen zu machen.

Markus: Da haben wir dann auch noch zwei weitere Songs geschrieben.

Das war also kein einzelner kreativer Schub, sondern die Songs läpperten sich Jahr um Jahr zusammen…

Markus: Genau – wobei die Songs selbst uns eigentlich immer schnell von der Hand gingen, aber dann lagen sie eben lange auf Eis und wir arbeiteten lange nicht an ihnen. Aber sie waren dann wie ein alter Wein, sie wurden von selbst besser, wie sie da so rumlagen.

Adam: Das hatte schon was, diese Songs zu haben, die immer noch gut klangen, auch vier Jahre, nachdem sie geschrieben wurden. Das war schon ein gutes Gefühl.

Interessant, das, denn: Die Platte klingt nicht so, als wäre sie über die Zeit zusammengewürfelt. Sie klingt wie ein großes Ganzes.

Markus: Weil wir ja auch dieses Rezept hatten, nach dem wir arbeiteten. Deswegen hat sie wahrscheinlich den ähnlichen Sound und das gleiche Feeling. Die Regeln waren: Wir singen gleichzeitig, wir arbeiten mit Harmonien und Chören. Dann ein steter, gleichförmiger Beat, und Lyrics, die sich wiederholen.

Adam: Außerdem wollten wir versuchen, möglichst unzynisch zu sein. Nicht so dunkel, wie wir’s in unseren anderen Welten sind. Ich glaube, als wir angefangen haben, da erlebten wir beide gerade ein echtes Hoch, deswegen wollten wir diese Hymnen schreiben. Das waren so die vier Grundpfeiler.

Markus: Wir hatten uns noch nicht lange kennen gelernt, wir haben das eingefangen, wie es ist, wenn du gerade einen neuen Freund gefunden hast. Letztlich war es das, was passiert ist.

Ihr hattet also praktisch einen Spielplan, dem ihr gefolgt seid…

Adam: Wie ein Dogma

Ihr habt hier ein paar meiner Fragen bereits beantwortet, bevor ich sie gestellt habe. Dass ihr immer gemeinsam singt, das ist mir auch aufgefallen. Vor nicht allzu langer Zeit habe ich Andy Burrows interviewt, der eine Platte mit Tom Smith gemacht hat, da ist die Voraussetzung ja ähnlich: Zwei befreundete Musiker machen nebenbei mal eine Platte abseits ihrer Hauptbands. Aber da singt mal Tom Smith, mal Andy Burrows. Ihr sagtet schon, ihr habt Wert auf Harmonien gelegt, gab’s sonst irgendeine Idee dahinter?

Adam: Es halt irgendwie anders zu machen, irgendwie neu, glaube ich. Uns ist etwas aufgefallen, als wir uns angehört haben: Dass man unsere Stimmen irgendwie nicht mehr voneinander trennen, nicht mehr einzeln heraus hören konnte. Das war ein Adrenalinschub, diese Beobachtung. Das hat unsere Kreativität angespornt, das war was Neues, was Aufregendes für uns. Ich glaube, das war’s auch, was uns angetrieben hat, mehr Songs zu schreiben – dass wir da eben was gefunden hatten, das für uns was Neues war. Ich meine, klar, gleichzeitig zu singen, natürlich ist das an sich nichts Neues. Aber jetzt im Zusammenhang mit unserer Geschichte, Markus und ich haben halt unseren Sound und unsere musikalischen Karrieren – und so klangen wir plötzlich fast wie eine neue, dritte Person.

Das habe ich beim Anhören auch so empfunden – nicht unbedingt jetzt Euch als dritte Person, aber dieses Nicht-unterscheiden-Können: „Wer singt jetzt was?“ Es war echt schwer, eure Stimmen im Ohr auseinander zu fieseln.

Markus: Aber ich mag das, denn das macht es kraftvoller. Und irgendwie auch auf eine gute Weise distanzierter. Wenn wir beide singen, ist das nicht eine Person, die dir etwas ins Gesicht sagt. Es ist irgendwie zärtlicher, da steckt ein gutes Gefühl drin. Außerdem: Wie kriegst du zwei Egos in einer Band unter einen Hut? Einfach: Singt immer beide alles gleichzeitig!

Adam, das letzte Mal, als wir beide unser letztes Interview hatten, zum letzten Shout Out Louds Album, da habe ich mich in meinem Englisch etwas plump ausgedrückt und ich glaube, ich bin dir da auf den Schlips getreten. Da hatten wir deine damalige Nebenband Tutankamon angesprochen: Du hattest in etwa gesagt, du fändest es angenehm, mit Tutankamon eine Band zu haben, bei der du die Dinge etwas schleifen lassen kannst und nicht wie bei den Shout Out Louds voll dahinter stehen musst. Und ich hatte gesagt, es sei nicht fair, von seinen Fans zu erwarten, dass sie sich etwas kaufen, hinter dem du nicht voll stehst, was härter rüber kam, als es gemeint war. Ich habe sogar gesagt, es wäre arrogant.

Adam: Oh ja?

Du erinnerst dich nicht? Ich hatte damals das Gefühl, ich hätte Dich ziemlich vor den Kopf gestoßen.

Adam: Naja, Vielleicht war ich müde?

Was ich jedenfalls sagen wollte: Die Serenades jetzt klingen keinesfalls so, als stecke weniger Aufwand dahinter als hinter den Shout Out Louds.

Adam: Das stimmt.

Markus: Wenn du so viel Zeit für etwas aufwendest wie wir für dieses Album – wir arbeiten ja schon lange daran, dann musst du es doch selber mögen. Andernfalls bist du ja nicht fair zu dir selbst. Das wäre ja blöd, wenn du das nur machst, weil du Zeit übrig hast.

Adam: Und ich glaube, was ich sagen wollte damals, das bezog sich auf den Prozess. Es war einfach gut, (bei Tutankamon) nicht zu viel nachdenken zu müssen und einfach nur Gitarre zu spielen. Das war ja mit der Hauptgrund für mich, dort einzusteigen. Aber Markus und ich, wir schrieben an diesen Songs seit drei, vier Jahren, wir haben viel Zeit im Studio verbracht und uns war diese Platte sehr, sehr wichtig. Und jetzt können wir diese Platte auch noch weltweit veröffentlichen, was Wahnsinn ist, das war durchaus eine Überraschung.

Markus: Komm schon, es war eine Riesenüberraschung.

Adam: Stimmt, ja.

Ihr habt erwähnt, dass ihr die Platte mit einer positiveren Stimmung aufgeladen habt – was mir natürlich auch aufgefallen ist. Die Platte klingt, als sei sie mit sich selbst im Reinen, als habe sie ihren Frieden gemacht. Das zentrale Gefühl der Shout Out Louds dagegen, das sind für mich Unsicherheit…

Adam: Hmm, ja

… und Zweifel. Und dein Solozeug, Markus, ich will jetzt nicht sagen, es sei depressiv – aber es kann verdammt todtraurig sein. Der Laakso-Song „Västerbron“ (Anm: Auf youtube leider gesperrt…) gehört zu den düstersten Sachen, die ich kenne!

Adam: Genau! Grins doch mal!

Markus: Na, aber das ist ja einer der Gründe, warum man mal was Neues macht – um eben was NEUES zu machen. Was du sagst, stimmt ja, in meinen anderen Projekten, da ist Frustration ein großes Thema, zumindest in den Texten. Ja, da hast du Recht. Und gerade deshalb war es ein echt knifflige Aufgabenstellung, zu sagen: Schreib was Postives! Schreib, wie du gesagt hast, etwas, das mit sich im Reinen ist! Aber auch etwas, das trotzdem noch interessant ist und trotzdem noch die Leute berühren kann.

Adam: Wir hatten ja gesagt, wir hatten uns diese Regeln aufgestellt, und die positive Grundstimmung war eine davon. Wir haben es aber dann doch nicht ganz geschafft, es hundertpro durchzuziehen. Hier und da sind trotzdem etwas dunklere Momente, aber die geben der Platte etwas Abwechslung. Mir gefällt das aber. Dass wir zum Beispiel mit diesen sehr schlichten Texten arbeiten konnten, aber dass die trotzdem eine gewisse Tiefe behalten haben. Das hängt wiederum viel zusammen mit der Art, mit der wir singen. Es basiert schon auf einem Konzept, aber vieles ergibt sich dann wiederum daraus.

Interessant aber. Denn natürlich wäre eine meiner Fragen gewesen, ob ihr euch diese positive Grundstimmung zum Ziel gesetzt habt, oder ob das einfach geschehen ist, weil ihr z.B. in dem Moment der Aufnahmen gerade so gut drauf wart.

Markus: Es klingt so einfach, wenn man das so aufzählt: Gleichzeitig singen, steter Beat, viele Harmonien, schlichte Texte. Doch es hat auf jeden Fall seine Zeit gedauert, bis wir das auf den Punkt gebracht haben. Als es dann so weit war, konnten wir dafür aber auch die Löcher stopfen und die Leerstellen füllen.

Adam: Das war schon angenehm, mal mit einem Regelwerk zu arbeiten.

Meine nächste Frage wäre gewesen: Steckt hinter den Songs eine gemeinsame Inspiration? Aber das ist ja damit quasi auch beantwortet.

Markus: Na, wir hatten vorher noch nicht gemeinsam gearbeitet, und das war letztlich natürlich die größte Inspiration: Die andere Person.

Adam: Ja, das finde ich auch. Wir haben viel vom Anderen übernommen und viel gelernt. Ich meine, klar, wir sind uns nicht unähnlich, wir haben unsere Gemeinsamkeiten. Wir spielen uns gegenseitig Musik vor, die wir mögen und wollen wissen, ob der Andere auch drauf steht oder nicht…

Mein Lieblingslied auf der Platte ist der letzte Song, „Walking Home“. Was könnt ihr mir dazu sagen?

Markus: Das ist auch mein Favorit. Das ist der, der am meisten hat von, naja, fast einer religiösen Hymne.

Ich liebe die Zeile „Love will be around“. Die strahlt eine solche Hoffnung aus!

Markus: Na, das ist aber jetzt „Walking Home“

Adam: Ja, hat er doch gesagt.

Markus: Ich dachte, du hast gesagt „All The Words“? Du hast doch gesagt, der letzte Song?

Adam: Ja, aber auf der Platte ist das ja der letzte Song. Im Liveset spielen wir „All The Words“ am Schluß.

Markus: Aaach, klar.

Adam: Aber „Walking Home“ war tatsächlich eins unserer ersten Lieder.

Markus: Die zwei haben wir ganz kurz hintereinander geschrieben.

Adam: Aber wir wollten jedenfalls genau diese Hoffnung, in dem Song. Auch mit dem Titel, und dieser Beat, das ist ja fast wie ein Marsch. Ein Liebes-Marsch. Wie in der Bibel, wo sie durch die Wüste marschieren.

Für mich passt der Song auch nach dem Club, wenn man heim geht, am Morgen. I’m walking home to you…

Adam: …can’t afford a cab

Markus: „Where have all the flowers gone?“ Ich glaube, das ist unsere Antwort darauf.

Was mir aufgefallen ist: Es gibt ein Farbschema bei den Serenades, das sich das bisherige Artwork zieht, auch durch die Videos und die Fotos. Da dominieren immer die zwei Farben Türkis und sandiges Gelb. Da muss ja eine Absicht dahinter stecken, oder? Es ist ja nie, sagen wir, pralles Rot oder waldiges Grün zu finden.

Markus: Da muss ich dich enttäuschen, es steckt KEIN Konzept dahinter. Außer natürlich, dass wir ähnlichen Geschmack haben, und wenn die gleichen Leute, die diese Musik machen, auch die Bilder dazu auswählen, kommt halt ein Zusammenhang dabei raus. Wir mögen diese Farben halt.

Adam: Man schafft ja seine eigene kleine Welt, wenn man mit Musik arbeitet, und dann will man natürlich, dass das Artwork mit dieser Welt zusammen passt. Aber letztlich ist es einfach eine Frage des guten Geschmacks.

Aber wenn ihr jetzt ein drittes Video machen würdet, könnte das knallrot sein?

Markus: Vielleicht könnten wir es in den Schweizer Alpen drehen, das wäre doch cool

Adam: Genau.

Markus: So mit dem Hubschrauber rumfliegen, das wäre doch cool.

Okay, wir haben ja vorhin angesprochen, dass die Platte international erscheinen wird. Sogar bei der Universal, und zwar auf einem Label der Universal, das auch Lady Gaga betreut – weswegen in der Presse jetzt vielfach steht, ihr seid „auf Lady Gagas Label“

Adam: Dabei ist es ja nicht so, dass sie das Label leiten würde, oder so. Nee, die haben uns halt einfach kontaktiert, denn sie mögen die Songs.

Markus: Es ist auf jeden Fall eine super Chance, sie trauen uns uns unserem Geschmack, ihnen gefällt, was wir machen, und das ist doch sehr schmeichelhaft. Das wird spannend, zu sehen, was passiert.

Adam, die Shout Out Louds haben ja auch am Anfang gleich mal einen dicken US-EMI-Deal unterschrieben und sind inzwischen in den USA bei Merge, du kennst Pros und Contras von großen Labels und Indies. Ich meine, Merge hätte ja die Serenades bestimmt auch mit Handkuss genommen…

Markus: Nee, die wollten’s nicht.

Echt jetzt?

Adam: Doch, stimmt, sie waren nicht so scharf drauf. Merge möchte ja gar nicht so sehr expandieren, die möchten nicht zum großen Label werden. Eine ihrer Regeln ist auch, dass es jeder im Büro mögen muss, damit sie eine Band signen, und einer von ihnen, vielleicht Mac, der Boss, hat’s halt nicht so gemocht. Aber es war eine andere Zeit damals, als wir bei EMI unterschrieben haben. Die Majorlabels wissen jetzt besser, wie sie mit Alternative Bands arbeiten müssen, welche Freiheiten sie ihnen geben müssen… für uns war’s am Anfang schon schwierig, so weit weg zu sein von LA, wo unser Label seinen Sitz hat, aber andererseits gibt uns das unsere Freiheit, zu tun, was wir wollen. Sie schicken halt ab und an ihre Beträge rüber und lassen uns machen.

Im Nachhinein war der EMI-Deal für euch ja auch sicher nicht falsch. Die haben damals mit ihrem Cash und ihrer Arbeit den Boden bereitet für die Band.

Adam: Genau, ja.

Markus: Ich sehe einfach keine Nachteile bei der Sache. Solange sie dir vertrauen, solange sie mögen, was du machst, solange das der Fall ist, ist es super, weil sie halt mehr Ressourcen haben und damit mehr Möglichkeiten als ein kleiner Indie, der das nicht hat.

Adam: Auf dem Label sind ja auch Feist und Robyn, zum Beispiel. Es ist ja nicht nur Gaga. Letztlich ist es Sache der Bands, wie sie die Dinge anpacken.

Dadurch, dass es jetzt aber weltweit releaset wird, dadurch, dass ein großes Label sein Investment reinsteckt, wird jetzt etwas, das ein Projekt war, möglicherweise zu einem Vollzeit-Ding. Was wird das für Auswirkungen haben auf die Shout Out Louds, und auf Markus Solokarriere in Schweden?

Markus: Na, wir werden die Dinge halt einfach kombinieren. Das hier ist ein großer Spaß für uns und eine große Chance, und wir wollen unser Ding dafür tun, dass es funktioniert. Also, ich bin echt aufgeregt darüber, und letztlich muss man ist es nur eine Sache, seine Zeitpläne zu koordinieren. Und für Euch läuft das doch auch gerade, ihr nehmt doch gerade auf, richtig?

Adam: Die Arbeit in Schweden zu den Serenades ist ja auch praktisch abgeschlossen, weil die Platte dort vor ein paar Monaten erschienen ist. Aber jetzt haben wir diese Chance bekommen, und die ist zu gut, um sie einfach liegen zu lassen. Aber mit den Shout Out Louds gehen wir Montag ins Studio (das IV wurde Anfang Dezember aufgenommen), und da wird eine super Platte bei rauskommen. Jedenfalls, man hat uns diese Chance gegeben, und wir werden unser Bestes geben, etwas daraus zu machen.

Markus: Das ist das Gute bei Musik. Da kannst du nebenbei mehrere Lover haben. Du musst dich nicht schämen dafür, wenn du mehrere Eisen im Feuer hast.

Stimmt, gerade du warst ja schon in zahlreiche Projekte involviert – das Duo mit Kleerup fiele mir spontan ein. Das ist so eine Art Hobby von dir, ja? Musikalische Partner zu suchen?

Markus: Hmm, weiss nicht, statt Bier zu trinken oder Roulette zu spielen oder was auch immer man sonst so mit seinen Freunden macht… die meisten meiner Freunde sind nun mal auch Musiker, und dann macht man eben Musik miteinander. Ich war ja in dieser Band namens Laakso, und mit denen haben wir seit etwa 5 Jahren nichts gemacht… da wird man irgendwie einsam, und da macht es einfach Spaß, auszuprobieren, mit verschiedenen Leuten verschiedene Sachen zu machen. Aber in dieses Nebenprojekt habe ich auf jeden Fall mehr Arbeit gesteckt als in alle anderen, insofern ist es anders.

So, wie du es gerade formuliert hast, schließe ich: Laakso haben sich nicht getrennt? Ich dachte immer, das wäre passiert, gerade weil ja auch deine Soloplatten so eingeschlagen sind in Schweden.

Markus: Also, als wir damals die Pause eingelegt haben, da war es natürlich nicht geplant, dass sie so lange werden würde. Nein, wir haben uns nicht getrennt, und ich hoffe, dass wir wieder eine neue Platte machen können. Ist aber nicht leicht – Lars spielt jetzt Drums bei Lykke Li und die anderen zwei haben ‚normale’ Jobs angenommen. Dass wir einmal gemeinsam Zeit finden, das erweist sich als sehr schwierig. Aber schauen wir mal, was sich ergibt.

Du hast doch auch mit Roman Fischer gearbeitet, als er seine Platte in Schweden aufgenommen hat, richtig?

Markus: Stimmt, ja. Kommt der nicht auch aus München?

Aus Augsburg, genauer gesagt. Ist aber nicht weit weg von München. Heute lebt er aber in Berlin.

Markus: Fuck, wir haben gestern in Berlin gespielt! Wir hätten uns ja treffen können! Ja, stimmt, wir haben damals gemeinsam Songs geschrieben, mit Patrick Berger, seinem Produzenten. Patrick und ich sind Kumpels, und so hat sich das ergeben. Ich hab ihn ja damals gezwungen, auf deutsch zu singen: „Herzschmerz“

Ja, das hat er mir erzählt, dass er dazu erst überredet werden musste.

Markus: Ja, das hat mir echt gefallen, aber er war soooo skeptisch. Aber wie lief’s mit der Platte? Ich habe irgendwie gar keine.

Leider nicht gut. Ich weiß nicht, woran’s lag, denn die Rezensionen waren gut – ich selbst fand die Platte echt stark – Deutschland ist vielleicht einfach nicht so weit, zu kapieren, dass etwas Indie und Pop gleichzeitig sein kann. Ich fürchte ja, dass es zu keiner weiteren Zusammenarbeit mit ihm und der Universal mehr kommen wird…

Schade, ein echt netter Typ. Richte auf jeden Fall Grüße aus, falls ihr euch mal trefft.

Was ich noch loswerden muss: Deine erste Soloplatte, „Markusevangeliet“, das ist möglicherweise meine Lieblingsplatte der letzten fünf Jahre – und ich spreche nicht mal Schwedisch. „Jag är en vampyr“ ist immer noch regelmäßig in meinem Atomic-DJ-Set.

Markus: Oh, cool.

In Schweden ist die Platte ja damals richtig eingeschlagen. Dabei hattest du – abgesehen von „Västerbron“, was ein Hit wurde – mit Laakso ja jahrelang gekämpft, überhaupt Aufmerksamkeit zu bekommen. Hat der Erfolg dich damals überrascht?

Markus: Aber total! Das sollte eigentlich meine letzte Platte sein. Damals sagte ich zu mir: „Okay, eine letzte Platte mache ich noch, eine auf Schwedisch. Und dann suche ich mir eben einen Job, in einem Laden, wo auch immer.“ Das war eine RIESEN-überraschung damals.

Findest Du, dass man das der Platte irgendwie anhört? Dass es die letzte sein sollte? Sie klingt wie ein definitives Statement.

Markus: Hmm, also ich finde, es wird nur dann gut, wenn man beim Machen nicht zuviel drüber nachdenkt.

Adam: Das glaube ich auch.

Markus: Wenn du großen Druck an dich heran lässt, dann erzeugt das keine gute Kunst. Ist das Atomic heute offen? Ich will da mal hin, alle sagen, es wäre so cool dort.

Ja, heute ist Samstag, also 60s-Nacht.

Adam: Nach unserer letzten Münchner Show haben wir da sogar unsere Aftershowparty gemacht.

Markus: Ich habe halt mit Laakso schon eine Menge in Deutschland gespielt, aber nie München, deswegen.

Adam: Da war damals auch unsere erste Münchner Show.

Mir wird leider gedeutet, dass wir abbrechen müssen – dann viel Erfolg heute bei der Show und hoffentlich auf bald!

Adam, Markus: Cool, danke, auf bald!

dies ist das Albumcover, in case you were wondering

Knapp unter 3 Minuten ist ja angeblich die Länge des perfekten Popsongs, aber ich glaube nicht, das 2:54 sich deshalb so genannt haben. Ihr Debütalbum besteht schließlich aus Songs ohne Popknall, aus Songs, die eher unterschwellig vor sich hin brodeln, so wie eine Flamme unter einem Teppich. Man weiß, wenn diese Flamme erst ausbricht, verschlingt sie das Zimmer, aber noch tut sie’s nicht, sondern sie ist nur diese schwelende, flackernde Drohung. Genau dieses Gefühl vermitteln 2:54s Songs. Mir gefällt’s.

2:54 sind die Schwestern Hannah und Colette Thurlow aus London, ihr Album kommt am 08.06. und für meinen Geschmack ist “Sugar” definitiv ein Highlight der Platte, auch wenn man – für meinen Geschmack – bei dieser Live-Version die Gitarren (aber auch Bass und Drums) erheblich fetter in den Mix hätte mischen sollen. Und ja, sie klingen nach Curve, aber nach Curve darf man klingen.

Ich habe einen Luftsprung gemacht, als ich auf dem Tisch des Kollegen das Album „The Soul Of Spain“ sah. Etwa DIE Spain?!?! Was war das für eine wunderbare Band in den späten 90s! Ihr seliger, aufgeräumter Zeitlupenblues hat mich lange begleitet…

Andererseits, wie das manchmal so ist, war mir ihre Trennung und Abwesenheit nie wirklich aufgefallen. Spain und die staubige Stimme ihres Kopfes Josh Haden nun wieder zu hören, das war deshalb, als fände man auf einem Wäschehaufen im Speicher eine Lieblingsjacke, deren Fehlen man nie bemerkt hatte. Als träfe man eine alte Freundin, die man aus den Augen verloren hat. Hach. Die Gelegenheit, bei Josh Haden – Sohn von Jazz-Bassist Charlie Haden und Bruder der Drillinge Petra, Rachel und Tanya Haden (That Dog, The Rentals und und und…) – anzurufen, ließ ich mir natürlich nicht entgehen.

Hallo?

Hallo, spreche ich mit Josh?

Ja!

Super, dann hat ja gleich alles geklappt!

Wie geht‘s?

Gut, gut! War ein hektischer Tag bis jetzt, aber jetzt habe ich mir gerade noch mal deine Platte angehört und die hat mich so richtig schön wieder runter geholt.

Na, prima.

Wie geht‘s dir? Wo genau in den Staaten rufe ich Dich an?

In Los Angeles.

Oh, da muss es ja jetzt ziemlich früh sein.

Ja, ist es. Es ist ca 8 Uhr morgens.

8 Uhr morgens? Keine Rock‘n‘Roll Zeit!

Ja, das stimmt, aber ich musste eh früh raus. Das passt schon.

Wir haben uns schon mal getroffen. Als ihr euer zweites Album tourtet, da spieltet ihr in München in dem Club namens Atomic Café, vielleicht erinnerst du dich. Ich habe dich am Nachmittag vor der Show interviewt. Wir saßen in der Sonne auf einer Bank auf diesem kleinen Spielplatz in der Nähe des Clubs.

Ach ja, daran erinnere ich mich.

Das war ich – und hier sind wir wieder, Jahre später.

Yeah! Und wir sind beide noch da!

Sind wir! Die Spain von heute sind natürlich nicht die Spain von damals – du hast alle Musiker ausgetauscht – aber irgendwie sind sie‘s doch. Und ich denke mal, das ist meine erste Frage. Was hat sich geändert, was ist gleich geblieben in all diesen Jahren?

Hmmm… lass mich nachdenken – nicht besonders viel hat sich geändert. Gar nichts eigentlich. Ich fühle mich, als sei es wieder 2001 und ich wäre gerade kurz davor, auf Tour zu gehen – das ist es schon. Wie alt war war ich 2001? Ich bin Jahrgang ‘68, also 33. Ich bin jetzt 44, das war also vor elf Jahren, ich fühle mich als wäre ich wieder 33 und als ginge es jetzt los auf Tour. Nichts hat sich geändert.

Die Musik hat einen Verjüngungseffekt auf Dich.

Ähm – naja, das hat sie immer. Ich habe von einer wissenschaftlichen Studie gehört, wonach Menschen durchs Singen glücklicher werden. Eine Person, die singt, bekommt eine bessere Stimmung. Das passiert bei mir auch immer, ob ich sehr müde bin oder einen schlechten Tag hatte, wenn ich zur Bandprobe gehe, fühle ich mich danach jedes Mal besser. So viel dazu. Aber 2001, als ich entschied, die Band erst mal für unbestimmte Zeit auf Eis zu legen, da hätte es gerade losgehen sollen mit unserer Tour zum dritten Album. Diese Tour fand aber nie statt – letztlich, weil ich die Band praktisch aufgelöst hatte. Jetzt, 2012, fühle ich mich, als…

… würdest du den Faden wieder aufnehmen, den du damals fallen gelassen hast?

Ja. Genau. Ich fühle mich, als wären die letzten zehn Jahre nur verschwommen. Wer weiß, ob sie überhaupt passiert sind? Ich mal nicht.

Warst du in diesen Jahren ohne Musik? Oder hast du sie nur privat gemacht, oder warst du in anderen Bands?

Naja, also, das Problem ist, ich will die Leute ja nicht mit meinen Geschichten langweilen – aber 2001, damals waren die Probleme, in der Musikindustrie den Businessaspekt zu meistern, überwältigend geworden. Sie wuchsen mir über den Kopf und ich musste einfach Pause machen. Damals fand ich tatsächlich, dass ich die Schnauze voll hatte, dass ich die Schnauze dermaßen voll hatte von all den miesen Verträgen und den Leuten, die letztlich nur ihre Vorteile aus mir ziehen wollten, weil ich halt Künstler war und übers Business nichts wusste – damals entschied ich, dass ich NIEMALS mehr wieder Musik machen wollte. Für ein paar Jahre ging ich zurück zur Schule, ein paar Jahre lang machte ich keinen Ton Musik. Dann aber kriegte ich einen Anruf von einem Freund von mir, von Dan The Automator.

Oha!

Dan wusste, dass mein Vertrag mit Dreamworks – ein Label, das es heute nicht mehr gibt – noch gültig war. Er fragte mich, ob ich denn neue Musik machen wollte und wenn ja, ob er sie dann produzieren könnte. Ich habe damals dann doch wieder Songs geschrieben und ich hatte ein paar Songs, die durchaus in sein Genre passten, so mit ein bisschen R‘n‘B-Flavour, wenn ich das so beschreiben kann.

Er meinte also: Ich würde gerne deine Soloplatte produzieren, und ich sagte ,Okay‘ und ging wieder von der Schule, wir nahmen dieses Album für Dreamworks auf und als wir es bei ihnen ablieferten, stellten die ihren Betrieb ein. Dann sagte Dreamworks aber: Wir geben euch das Album nicht zurück! Da musste ich dann erst mal einen Rechtsanwalt bezahlen und es dauerte ein Jahr, bis ich die Platte zurück hatte. Jetzt ein neues Label dafür zu finden, das dauerte ein weiteres Jahr. Aber am Ende hatte ich das alles geregelt und brachte die Platte auf meinem eigenen Label raus, das war dann 2006.

Ich hatte keine Ahnung von dieser Soloplatte!

Genau – niemand hat davon mitbekommen. Es gibt einen Teil der Story, auf den ich jetzt nicht eingehen will, aber das Ende vom Lied war: Ich veröffentlichte die Platte auf meinem eigenen Label, ohne jegliche Promotion, und niemand hat es bemerkt. Aber ich ging auf Tour für diese Platte, und ich stellte eine Band zusammen, und ich spielte ein paar Jahre lang Gigs, ohne dass etwas passierte. Aber die gute Sache ist: Zwei der Musiker aus dieser Band sind nun auch im neuen Line-Up von Spain, die spielen jetzt schon seit Jahren mit mir. Seit 2004 – sie sind seit langem meine Bandkumpel und die neue Version von Spain profitiert für mich davon.

Ach, sieh an, da beantwortest du eine meiner Fragen. Ich fragte mich nämlich, wie schwer es wohl wahr, für diese Musik neue Mitstreiter zu finden. Wer kommt auf ein Inserat in den Proberaum und versteht dann die Zurückhaltung, die diese Musik verlangt? Welcher Gitarrist will nicht alles ein bisschen mit Solos oder irgendwelchen Sperenzchen aufpeppen?

Du hast aber Recht, diese Suche nach Musikern, das war tatsächlich das Schwierigste von allem. Es hat deswegen auch so lange gedauert. 2007, als ich entschied, wieder eine neue Version von Spain zusammen zu stellen, da brauchten wir drei Jahre, um den richtigen Gitarristen zu finden. Denn obwohl ich die anderen Mitspieler ja hatte, mussten wir einige Gitarristen ausprobieren, die tatsächlich mehr Solos wollten, als für die Musik richtig ist. Letztlich haben wir ihn dann gefunden, und wenn wir ihn nicht gefunden hätten, dann würde ich noch Jahre weiter suchen.

Du selbst hast nie die Gitarre in die Hand genommen? Weil du als Haden nun mal für den Bass prädestiniert bist?

Das ist meine Schwäche, ich spiele die Gitarre nicht sehr gut. Ganz einfache Akkorde kann ich, aber selbst bei meinen allerersten Songs überstieg das nötige Gitarrespielen dafür schon meine Fähigkeiten. Und ich denke, das ist, weil… als ich ein Kind war, da wurde ich nie ermutigt, Musikstunden zu nehmen. Es ist kompliziert, aber als ich so 13 war, wollte ich Gitarre spielen, und ich weiß nicht, ob sie die falsche Größe hatte oder was los war, sie war mir einfach zu schwierig. Vielleicht hab ich mich auch nicht so verbunden gefühlt damit.

Kenne ich – ich wollte mir auch die Gitarre selbst beibringen. Vielleicht war ich zu alt, ich war 20, als ich meine erste kaufte. Jetzt kann ich meine paar Akkorde und die Leute rennen nicht kreischend aus dem Zimmer, wenn ich sie mal in der Hand halte, aber es reicht halt nicht annähernd aus, um sich damit auf eine Bühne zu stellen.

Genau, so ist‘s bei mir.

Nun ist dein Vater aber einer DER Bassisten überhaupt. Hat dich das nicht irgendwie von dem Instrument abgeschreckt? Weil man dich ja immer an ihm messen würde.

…Nein. Ich weiss nicht, ich bin mir sicher, dass er etwas damit zu tun hat, dass ich letztlich beim Bass gelandet bin. Vielleicht, weil ich als Kleinkind schon immer Bässe in der Wohnung um mich hatte, bin ich vielleicht darauf geprägt worden. Meine Liebe zum Bassspiel findet auf einem unterbewussten Level statt, vielleicht hatte ich nie eine Wahl, ein anderes Instrument zu picken. Aber meine Eltern haben mir nie gesagt „Du wirst Bassist“. Gewissermassen haben sie sogar versucht, uns Kinder von der Musik weg zu lenken, denn es kann nun mal schwer sein, als Musiker seinen Lebensunterhalt zu verdienen.

Na, das hat ja geklappt – ALLE Haden-Kinder sind Musiker geworden!

Genau – man kann gar nichts dagegen machen. Wenn sie Musiker werden wollen, werden sie Musiker werden, vor allem, wenn es so sehr in ihrem Blut ist. Weißt du, alle meine Schwestern arbeiten dauernd mit Musik. Rachel sucht gerade ein Label für ihr Soloalbum, Petra veröffentlicht gerade ihre neueste Ausgabe von Acapella-Versionen von Songs, Tanya nimmt mit Bands auf – was willst du machen?

Als du sagtest, du machtest eine Zeit lang gar keine Musik und gingst zurück auf die Schule – da dachte ich erst: Bist du damit das schwarze Schaf in der Haden-Familie? Aber ihr wurdet gar nicht zur Musik ermutigt?

Das war mehr meine Mom, die gebremst hat – ich liebe sie und wir haben ein tolles Verhältnis, aber sie ist nun mal praktischer veranlagt. Mein Vater ist der „Verfolge deinen Traum!“-Typ. Aber beide meine Eltern haben meine Musik immer unterstützt, es soll nicht so rüberkommen, als wäre das anders gewesen. Aber es ist ja auch so: Eltern wollen immer das Beste fürs Kind, sie werden immer aufs Kind aufpassen. Es ist nur natürlich, dass sie dich lieber abgesichert als Rechtsanwalt sähen. Aber ich könnte nie Anwalt sein.

Das Cover von „The Soul Of Spain“ greift zurück auf euer Debüt „The Blue Moods Of Spain“ (1995). Das ist Absicht, klar, oder?

Ja, richtig. Ich wollte einfach den Kreis schließen zu den Anfängen. „The Soul Of Spain“, das soll nicht wichtig heißen: Oh, das ist die Essenz von Spain. Aber ich fand den Titel einfach gut und ich wollte, weil ja auch so viel Zeit verstrichen war, ein starkes Statement geben: Wir sind zurück! Deswegen erinnert das Cover so sehr ans „Blue Moods“ Cover, auch der Titel.

Und die Font…

Ja, auch die Font. Was ich aber auch mochte an „The Soul Of Spain“: Wenn du das googlest, stößt du auf all diese kitschigen Compilations von traditioneller Flamenco Musik, es muss ca ein Dutzend Alben aus den 60s und 70s mit dem Namen „The Soul Of Spain“ geben, ich fand das einfach cool, dass unser Album in diese Kategorie fallen würde.

Als sonderbare Info zu dem Cover von der Neuen las ich, dass das abgebildete Model Oriana Small eine ehemalige „Adult Actress“ ist. Jetzt habe ich mich gefragt, was die Absicht dahinter war. Ich bin auf zwei Möglichkeiten gekommen: Entweder wollt ihr versteckt andeuten, dass es eine Art verruchte Unterströmung auf der Platte gibt. Oder es geht um Erlösung: Weil es ja eine ehemalige Adult Actress ist, die nicht mehr im Business ist und die jetzt vielleicht als normales Model arbeitet.

Ähm.. hmm, naja, ich weiß nicht… – also zuallererst, Orie ist eine alte Freundin von mir. Ich habe sie gefragt, ob sie Lust hat, auf dem Cover zu sein, und sie sagte: ,Gerne, das würde mich freuen!‘ … also, naja, aber ich denke nicht, dass sie gerade Reue oder Erlösung erlebt, ich denke aber, dass durch alle Spain-Platten ein Faden läuft, der Religion und religiöse Motive mit Motiven der Sexualität, auf einem humanen Level – wie erkläre ich das jetzt – Also, in meiner Meinung sind die Menschen doch das Produkt einen sexuellen Akts. Dann ist ja auch Kunst immer das Ergebnis von Pornografie, denn Pornografie, das ist eine künstlerische Verwertung oder Aufnahme Geschlechtsakts. Also, ich versuche gerade selbst diese Verbindung herzustellen, diese Verbindung, die erklärt, warum Orie auf dem Cover ist. Macht das Sinn?

Na, du hast da sicher irgendwo Recht, Du denkst da gerade drüber nach, so wie ich. Sonderbares Thema.

Nee, so sonderbar ist das Thema gar nicht. Viele meiner Songs gehen nun mal, in einer künstlerischen Umsetzung, um Themen, die mit Sex und Religion zu tun haben, mit dem Leben und dem Tod. Das sind meine Grundthemen. Einige religiöse Menschen finden, der sexuelle Akt sei etwas aus der materiellen Welt und das Sex die Menschen daran hindert, sich auf einem spirituellen Level zu entwickeln. Die haben gar keinen Sex und…

… deshalb sind sie oft so frustriert und wütend.

Ja, also, ich selbst finde, du hast Recht, aber was du da sagst, ist doch eine grobe Verallgemeinerung. Für manche Leute ist es vielleicht das Richtige? Ich selbst könnte nicht so leben, aber wenn es ihnen ernst ist? Auf der ganzen Welt gibt es Religionen, die die sexuellen Aktivitäten irgendwie regulieren, aus spirituellen Gründen. Ich bin ein religiöser Mensch und ich höre diese Dinge und ich denke, diese Ansichten sind durchaus stichhaltig. Es gibt auch Leute, die machen Sex zu ihrer Religion, zu ihrer Spiritualität und der sexuelle Akt ist für sie eine Manifestation für den Übergang aus dem Materiellen ins Spirituelle. Naja, Religion und Sex werden jedenfalls immer ineinander verschränkt sein. Orie auf dem Cover – weil ich weiss, wer sie ist, weil ich ihre Karriere kenne – irgendwie bringt das die Themen, mit denen ich in der Musik arbeite, vorne aufs Cover der Platte. Das ist nicht der Grund, weswegen ich sie auf dem Cover haben wollte, aber es macht schon Sinn, dass es jetzt darauf hinaus gelaufen ist.

Also, ich wollte vorhin nicht unverschämt sein gegenüber Religion und religiösen Menschen – ich respektiere das schon. Ich bin zwar selbst Atheist, und es macht mich rasend, wenn ich z.B. lese, dass religiöse Gruppen in den USA an Schulen die Evolutionslehre verbieten und nur ihr beknacktes „Intelligent Design“ gelten lassen wollen. Aber ich habe empfinde sehr wohl so etwas wie eine Spiritualität. Die finde ich nur nicht wieder in dem, was mir die Kirche erzählt. Ich denke, die Bibel ist ein 2000 Jahre altes Buch für Leute, die vor 2000 Jahren gelebt haben, damals hat es Sinn gemacht. Ich denke, man muss die Bibel heute entsprechend umdeuten. Aber zuallererst wollte ich auch ein bisschen Spaß machen, als sich sagte: „die sind alle frustriert und wütend.“

Ich stimme ja sogar mit dir überein. Also, ich glaube an Gott, ich glaube, dass es einen Gott gibt, aber ich bezeichne mich nicht als Anhänger einer Religion. Mein Glaube hat mehr Parallelen zum Atheismus als zu allen möglichen anderen Religionen.

Ich hoffe ja auch, dass es mehr gibt. Ich wünsche mir ja, dass wir mehr sind als nur Zellen und chemische Reaktionen und Nervenströme. Ich hoffe, dass noch etwas kommen wird, wenn wir nicht mehr da sind. Aber wenn es das gibt, dieses größere Ganze, das hinter all dem steht, dann ist es bestimmt kein alter Mann, der sauer wird, weil jemand am falschen Tag Schwein gegessen hat.

Verstehe. Ja. Da stimme ich zu. Also, ich glaube an Gott, weil ich als sehr kleines Kind einmal in einer Situation war, in der ich sehr schwer verletzt hätte werden können. Aber irgendeine Kraft oder Energie oder … irgendetwas – hob mich buchstäblich hoch und brachte mich aus dieser Gefahr. Damals interpretierte dieses Erlebnis und dieses Gefühl als das Wesen von Gott. Damals dachte ich wohl, es waren Engel. Ich weiß noch, wie ich zu meiner Mutter rannte und rief „Mommy, Mommy, ein paar Engel haben gerade mein Leben gerettet!” Und sie war gerade beim Spülen und meinte nur: „Jaja, klar, okay.“ Aber seitdem glaube ich an ein übernatürliches, oder ätherisches, oder jenseitiges Wesen, das letztlich von Gott kommen muss. Und über die Jahre habe ich ähnliche Dinge erlebt.

Mein Glaube ist nicht unbedingt in einer bestimmten Religion verwurzelt, auch wenn ich diverse religiöse Motive natürlich durch eine jüdisch-christliche Brille sehe, denn ich bin Jude und so wuchs ich auf. Genauer ist meine Mama jüdisch und mein Vater ist Christ, aber keiner von beiden praktiziert seine Religion, beide sind mehr oder weniger Atheisten – trotzdem bin ich natürlich jüdisch/christlich geprägt, also kommen meine Songs meistens von dort. Daniel, unser Gitarrist – ich weiß nicht, ob er sich Buddhist nennen würde, aber er ist davon sehr beeinflusst, er hat einen Guru und alles – auf dem Album ist ein Song, „All I Can Give“, den hat er geschrieben, dieser Song stammt von einem buddhistischen Choral. Er kommt also von einer anderen Perspektive, drum fand ich auch gut, das aufs Album zu packen. Natürlich habe ich auf der Platte auch einen Song „Walk On The Water“, bei dem es natürlich um Jesus geht. Aber ich wollte eben nicht nur mit christlicher Ikonographie arbeiten, da war es gut, auch etwas Buddhismus auf der Platte unter zu bringen.

Eine sonderbare Richtung, die unser Interview da eingeschlagen hat. Aber, wie du sagtest, das Spirituelle ist ein großer Teil von Spain, also macht es Sinn, dass wir da gelandet sind.

Ich denke, wir könnten noch Stunden über dieses Thema sprechen.

Ja, aber meine halbe Stunde ist abgelaufen. Da wartet bestimmt schon jemand, dass er an die Reihe kommt.

Nee, ich hab‘ Zeit.

Ich werde leider zurück an die Arbeit müssen – aber dann hänge ich noch zwei Fragen dran, okay? Zuerst: Ich habe neulich schon für ein anderes Magazin über euch geschrieben, und da habe ich einen Vergleich gezogen. Ich habe geschrieben, dass ihr klingt, wie Edward Hoppers Gemälde aussehen. Die Stille, die Statik, die Ordnung, das klassisch Amerikanische. Bei Edward Hopper bemerkt man immer auch den Himmel, nicht wie bei anderen Malern, wo er halt da ist – so, wie man bei Euch jede Gitarre und jeden Basslauf bemerkt. Naja, nachdem ich das also geschrieben hatte, fragte ich mich, wie du darüber denkst.

Hmm. Ich stimme dir zu, ich liebe seine Arbeit. Seine Gemälde haben auch immer so was… ich weiß nicht, wie er das macht, aber sie werden lebendig. Eines seiner berühmtesten Werke, ich weiß jetzt nicht, wie es heißt – dieses Café, für mich wird das lebendig, ich kann sehen, wie sich die Leute bewegen. Und wenn du seine Himmel ansiehst, werden auch die lebendig, du kannst die Wolken sehen, wie sie sich bewegen. Ich weiß nicht, wie er das macht, aber, naja, das fällt mir auf, wenn ich seine Bilder sehe und das ist, was ich so an ihnen mag. Eine Verbindung zwischen meiner Musik und Edward Hopper-Bildern habe ich nie gezogen, aber jetzt, wo du‘s sagst, sehe ich die Übereinstimmungen. Denn, klanglich, also, wenn jemand diese Bilder anschauen würde unter einem klanglichen Aspekt – zuerst mal, diese Bilder sind sehr subtil, und er benutzt Schweigen in seinen Bilder, er bringt etwas intensives ins Schweigen ein, oder in leeren Raum. Das ist genau das, was ich in vielen meiner Songs versuche. Also, ich sehe die Ähnlichkeiten. Und das Amerikanische, das ist natürlich auch eine Parallele.

Ja, weil deine Musik so amerikanisch ist, weil sie sich so auf den ganz klassischen Blues bezieht, auf Jazz sogar, auch Pop…

Gospel…

Genau – und jetzt noch die letzte Frage. Die hat gar nichts mit Spain zu tun – aber dieser Tage erscheint ja auch eine neue Tenacious D. Jack Black ist dein Schwager! Da fragt man sich – wie ist DAS wohl? Trefft ihr Euch auch mal? Seht Ihr Euch bei Familientreffen? Du siehst ja sicher eine andere Seite von Jack Black als der Rest der Welt.

Och. Hmm. Naja. Weisst du, die Sache ist die, Jack und ich waren gemeinsam auf der High School. Wenn ich Jack Black sehe, denke ich nicht an den Megastar, sondern an das Kid, das ich seit der High School kenne. Klar, oft kommen Leute auf mich zu und sie flippen aus, wenn sie hören, dass er mein Schwager ist: „Wie ist er so?“ Er ist nur ein völlig normaler Typ, der einen super Sinn für Humor hat und der dich den ganzen Tag lang zum Lachen bringen kann. Er hat auch unsere Band immer unterstützt. Schon bevor er meine Schwester geheiratet hat, war er immer interessiert, hat immer gefragt, was wir gerade machen. Ich habe ihm neulich eine CD von unserem neuen Album gegeben, und er hat sich total gefreut darüber. Ich stehe natürlich auch auf Tenacious D, immer schon, und es ist natürlich super, dass ich immer gute Sitze für ihre Shows kriege. Wirst du mit ihm sprechen?

Guckt nur für Tenacious D und Hollywood böse: Jack Black (links)

Das hat ein anderer unserer Autoren getan, man kriegt ihn ja nicht so leicht vors Mikro. Aber ich dachte, vielleicht finden wir ja trotzdem die Möglichkeit, das im Heft zu verbinden. Und wie alle anderen, tja, interessiert‘s mich halt einfach.

Klar, also – ich selbst habe ja auch meine Schauspieler, die ich gerne mal treffen würde. Aber es ist einfach so, dass Jack schon so lange Teil meiner Familie ist. Seine Arbeit finde ich immer spannend, aber gleichzeitig ist er halt ein ganz normaler Typ für mich. Ich kenne auch keine anderen Schauspieler oder Leute aus der Filmbranche, aber ich weiss, dass viele Schauspieler abheben und sich für die Größten halten – aber dass das Jack nie passieren wird. Einen bescheideneren Typen könntest du nicht treffen, und wüsstest du nicht, dass er in der Entertainment Industrie arbeitet, würdest du ihn einfach für den normalsten Typen der Welt halten. Weil er kein Ego hat und nicht abgehoben ist und immer allen helfen möchte, er unterstützt immer alle Freunde bei ihren Kunstprojekten, er spielt viele Benefizveranstaltungen… zum Beispiel, der Schwager meiner Frau, der ist sehr aktiv im Kampf gegen Diabetes. Er fragt Jack deswegen regelmäßig, ob er an seinen Veranstaltungen zum Thema Diabetes teilnehmen kann und Jack nimmt sich die Zeit immer, um zu helfen. Er ist ein toller Schauspieler, sehr witzig, aber er ist auch ein Familienvater, lässig und am Boden geblieben. Ein ganz normaler Typ.

Das ist doch nett zu hören. Vielen Dank, es hat mich sehr gefreut – und ich wünsche dir natürlich viel Erfolg mit der neuen Platte.

Von wo rufst du noch mal an?

Aus München.

Ach ja München, richtig. Wir spielen demnächst in Berlin.

Schade, das ist ein Stückchen weg – aber ich werde mal in den Kalender gucken, vielleicht schaffe ich‘s ja. Alles klar, vielen Dank, und einen schönen weiteren Tag!

Bye!

Neu aber in meinem Regal: “This Is Jinsy”, eine Serie, die letzten Herbst im UK auf dem Sender Sky Atlantic lief. Die Show ist durchgeknallt genug, um als Boosh-Methadon herhalten zu können.

Auch hier haben wir’s mit einem Duo zu tun. Die zwei Schreiber und Hauptdarsteller heißen Chris Bran und Justin Chubb. Ihre Kreation ist so absurd wie Monthy Python, so abstrus wie The Boosh und geprägt von einer Beknacktheit, die ihre ganz eigene ist.

Das Ganze spielt auf der Insel Jinsy, die man am besten mit ihrer Nationalhymne vorstellt:

Auf Jinsy gibt es u.a. die Hochzeitslotterie, die Ool-Fledermaus, einen Schweine-Postservice und einen Talentwettbewerb, bei dem ein Hund entscheidet. Es wird (wie bei The Boosh) immer mal wieder gesungen, und oft sind diese Songs die Highlights. Letztlich ist das Ganze sowohl herrlich albern als auch sonderlich und surreal. Mich hat diese erste Staffel (eine neue wurde in Auftrag gegeben und soll 2013 auf der Insel gezeigt werden) so richtig schön amüsiert – und mir mit dem “Onion Song” den Ohrwurm der Woche beschert.

]]> http://hennissey.piranha.tv/2012/05/10/oh-youre-so-island-jinsy/feed/ 0 http://hennissey.piranha.tv/2012/05/09/pick-a-paris-thats-new/ http://hennissey.piranha.tv/2012/05/09/pick-a-paris-thats-new/#comments Wed, 09 May 2012 19:23:00 +0000 Hennissey http://hennissey.piranha.tv/?p=3071 Sieh an, Paris gibt’s auch noch. Die hatte ich ziemlich aus den Augen verloren, dabei war dieses Stockholmer Girl/Boy/Synth-Quartett damals als eine der wenigen Bands gleich auf beiden Åtömström-Samplern vertreten, die ich damals (Ende 2004 bzw 2005) mit dem Atomic Café veröffentlichen durfte. Diese neue Single “Say It” klingt bissiger als das, was ich von damals kenne…

remember Åtömström:

Ach, The Cribs. Ich höre sie so gern! Drei spinnerte britische Brüder mit dem Herz am rechten Fleck und dem Fuß immer auf dem Verzerrerpedal, so spielen sie ihre Gitarren wie mit Schmirgelpapier und geben jedem Rohrspatzen Anschauungsunterricht im Schimpfen. Ihre Melodien gehen trotzdem ins Ohr wie nix und bleiben drin, gerade so, als hätte man sie mit der Klebstoffpistole reingeschossen. Beim fünften Album sind sie inzwischen angekommen, Ryan und Ross und Gary Jarman und weil Kurzzeit-Mitglied und Langzeit-Legende Johnny Marr wieder ausgestiegen ist, wurde „In The Belly Of The Brazen Bull“ zu ihrer bisher schnodderigsten Platte. Ein Anruf bei Gary Jarman und das Transkript (Transcribst!) dazu.

Hallo Gary, cool, das hat ja gleich geklappt!

Ja, wir sind gerade unterwegs, waren gestern in Kanada, heute geht’s zurück in die USA. Da weiß man nie: Klappt der Empfang? Und all das.

Ich war überrascht, zu hören, dass ihr gerade durch die Staaten reist. Euer Album erscheint schließlich in Kürze, und am erfolgreichsten seid ihr in Großbritannien, also sollte man denken, dass ihr jetzt dort die große Promotion-Rutsche abklappert. Wie kommt’s also?

Aus dem gleichen Grund, aus dem wir auch noch mal kurz durch Europa touren werden – man will die Fans, die man schon hat, einfach noch mal erinnern, dass die neue Platte kommt. Uns macht das großen Spaß, so durch die Staaten zu touren, wir stehen da drauf. So funktioniert unsere Band einfach – wir sind mit nur einem Typen unterwegs, der nicht in der Band ist, unserem Soundmann. So arbeiten wir total gerne. Das bringt uns zurück in unsere Anfangszeiten. Und es gibt uns die Möglichkeit, zu den Fans, die wir schon haben, die Connection zu vertiefen.

Das hatte ich gelesen, dass ihr in diesem Setup im Kleinbus unterwegs seid – und es hat mich erstaunt. Ich dachte, als Band gewöhnt man sich doch bestimmt an gute Hotelzimmer oder wenigstens an eine gescheite Koje im Bus und tut sich die Ochsentour nicht noch mal an.

Ja, man gewöhnt sich wohl an einen gewissen Komfort, aber das ist gefährlich. Aber wir, wir waren davon eigentlich nie abhängig. Wenn man eine Band gründet, dann erwartet man ja nicht, dass man jemals an diesen Punkt kommt. Da müsste man schon ein besonderes Selbstbewusstsein haben, wenn man das von Vornherein glauben würde. Nein, man gründet seine Band, genau weil man Bock hat auf Zeugs wie diese Tour jetzt, weil es einem Spaß macht, genau diese Dinge zu tun. Wir wollten nie abhängig werden von den Annehmlichkeiten, die ein gewisser Erfolg mit sich bringt. Ich will nichts lieber als mit meinen Brüdern abhängen, das Equipment zu schleppen, gemeinsam im Bus unterwegs zu sein. Das ist, was für uns eine gute Zeit ausmacht.

Und ich hatte schon gedacht, ihr wäret nicht gerne auf Tour. Denn Eure neue Platte heißt „In The Belly Of The Brazen Bull“ („Im Bauch des bronzenen Bullen“) – was ja eine Foltermethode ist. Verkürzt bedeutet der Titel also praktisch „Folter“ bzw. „gefoltert werden“ – und auf dem Cover sieht man ein typisches Allerwelts-Hotelzimmer. Meine Deutung war: Dieses Hotelzimmer, das ist das Innere des bronzenen Bullen. Das Tourleben, das ewige Nicht-daheim-Sein vielleicht, das erlebt ihr als Folter.

Ah, ich verstehe deine Argumentation. Und sie gefällt mir. Aber unsere Absicht war das nicht wirklich. Auch wenn ich verstehe, wie du darauf kommst. Wir fanden einfach: Dieses Hotelzimmer, das ist so ein prägnantes Image. Klar, es ist das totale Allerwelts-Zimmer mit nur dem Allernötigsten. Aber das macht es nur umso stärker. Irgendwie hat es was regelrecht Bedrückendes, finde ich. Weil es eben so trist und karg ist, auch wenn natürlich nichts Dramatisches an dem Bild ist. Aber schon dieses Unbestimmbare macht es bedrückend. Einen großen Teil der Platte haben wir aber natürlich in genau solchen Hotelzimmern geschrieben, und ja, sie sind heute ein ziemlicher Teil unseres Lebens. Deswegen schwingt da für mich natürlich was Persönliches mit.

Ich stellte mir das so vor: Ihr habt gerade eine Show vor kreischenden Unbekannten gespielt, aber hinterher landet ihr in so einem Hotelzimmer und dann kriegt man die Krise: Ich bin nie zu Hause, wer sind meine Freunde…

Yeah. Und diese Momente gibt es. Total. Es ist irre, wie unpersönlich diese Orte sind. Und dieses Unpersönliche, das ist etwas, woran man sich nach ein paar Monaten auf Tour auch gewöhnen kann. Vielleicht ist das auch das, was wir damit repräsentieren wollten.

Nichtsdestotrotz, die Platte heißt „In The Belly Of The Brazen Bull“ – ich musste das erst nachschlagen. (Info: Der bronzene Bulle war ein Folterwerkzeug: Ein Folteropfer wurde in eine hohle Bronzestatue in Form eines Bullen gesperrt, dieser Bulle wurde dann überm Feuer bis zum Glühen erhitzt, das Opfer starb im Inneren unter entsetzlichen Qualen)

Es gehört jedenfalls nicht zum Allgemeinwissen. Wir sind mal in einem Buch darauf gestoßen. Es ist ein extrem lebendige und markerschütternde Vorstellung, die wir dann auch eine Weile mit uns herum getragen haben. Was aber eine tiefere Bedeutung angeht, so ist da keine. Es hat uns halt beschäftigt, recht lange, weil es halt eine so dermaßen heftige Vorstellung ist.

Okay, ihr habt keine Phase durchgemacht, in der ihr euch gefoltert gefühlt habt, emotional oder sonst wie.

Nicht wirklich, nein. Es ist einfach eine so provokative Vorstellung, die uns deswegen auch so lange nicht losgelassen hat, dass wir auch dachten, dass andere Leute das vielleicht ähnlich empfinden. Es ist ja schon eine interessante Geschichte.

Der Legende nach war es ja der Erfinder dieses Geräts, der es stolz seinem König zeigte, der es dann als Erster ausprobieren „durfte“.

Yeah, fürchterlich, nicht wahr?

Man denkt sich halt: Wie muss man drauf sein, dass einem so ein Gerät einfällt?!?! Ich meine, okay, zu der Zeit waren die Leute wohl weniger sensibel gegen Gewalt…

Aber weiter im Programm. Ihr seid jetzt beim fünften Album angekommen – aber wie nimmt man ein fünftes Album in Angriff? Man sagt ja sicher nicht: Och, geh‘n wir halt und machen ne neue Platte. Man fragt sich doch sicher: „Was machen wir diesmal anders?“ „Was wollen und müssen wir noch sagen?“

Was aber ja passiert ist, ist dass Johnny die Band verlassen hat. Und damit waren‘s wieder nur ich mit meinen Brüdern, und das war eine sehr inspirierende Zeit, weil wir damit wieder genau da waren, wo die Band angefangen hatte. Wir fingen einfach wieder an, gemeinsam rumzuhängen, jeden Tag zu schreiben. So sehr ich es toll fand, Johnny damals in der Band zu haben, so sehr uns das auch Spaß gemacht hat mit ihm, und so gut es auch lief mit ihm – die Platte kriegte gute Kritiken und lief sehr gut, zumindest in den Staaten, im UK und Japan, in Europa spielten wir nicht viel zu der Platte – so sehr war es doch eine Sache, die… also, wenn ich jetzt zurück blicke, dann haben wir… keine Kompromisse gemacht, aber auf jeden Fall ein paar Dinge geschehen lassen, weil halt jemand anders mit in der Band war. Ist ja klar. Denn man kann etwas ja nicht Zusammenarbeit nennen, wenn man diese Person nicht auch vollständig mitmachen lässt.

Zu viert: Jarman, Marr, Jarman, Jarman

Aber als wir dann wieder zu dritt waren, da schrieben wir halt wieder sehr viel Musik, einen Song nach dem Anderen, da waren wir zurück in der Dynamik, die wir von früher kannten. Deswegen haben wir auch gar nicht groß drüber nachgedacht: „Was werden die Leute davon halten, oder was haben wir für eine Agenda?“ Das hätte die Spontanität und die Kreativität gekillt. Einfach die Tatsache, dass es so lief, dass wir drei so schnell vorwärts kamen und Spaß an der Sache hatten, das wollten wir nicht bremsen, dadurch, dass wir‘s überanalysieren. Als es dann ums Texte schreiben ging und darum, die Songs abzuschließen, klar, da ist uns schon aufgefallen, dass die Songs irgendwie zusammen hingen.

Im Großen und Ganzen hat sich aber sowieso so viel verändert – als wir damals anfingen, da hat man uns mit einer ganz anderen Szene in einen Topf geworfen. Und ein paar Jahre später, 2005/2006, als in Großbritannien gerade sehr viele Bands erfolgreich waren, da hat man uns dann wieder dieser Szene zugeordnet. Das hat uns damals regelrecht frustriert. Immer, wenn die Leute ankamen und uns in eine Szene eingliedern wollten, waren wir dagegen. Ich stehe da gar nicht drauf, definiert zu werden über eine angebliche Bewegung. Vor allem, wo ich und meine Brüder doch so eine in sich geschlossene Einheit waren! Wir lebten zusammen, wir waren gemeinsam groß geworden. Teil einer größeren Bewegung zu sein, das hat uns überhaupt nicht interessiert. Das hat irgendwann einen Effekt auf Dich, weil du dann ganz sensibel darauf achtest, bloß nicht auf der Stelle zu treten und dich zu wiederholen.

Ja, mich erinnert die Platte auch an eure ersten zwei. Die Platte mit Johnny Marr war ja definitiv poppiger – da hat sich dann all der Noise und die Verzerrung aufgestaut und die musste jetzt durch ein großes Ventil rausgelassen werden?

Yeah, ich meine, so hat die Band ja angefangen, als es damals los ging. Da ging‘s uns extrem ums Feedback und um Lärm. Aber dann verändern sich einige Dinge, naja. Man kommt an diesen Punkt, wo man sich irgendwie vorwärts entwickeln will und man denkt so: Man will den Songs gerechter werden, man will über den Underground hinaus wachsen. Wir haben dann ja zwei Platten in der Zwischenzeit gemacht, auch in Zusammenarbeit mit Majorlabels, und wir hatten ja so etwas wie einen genre-übergreifenden Erfolg – aber auch da kommst du an den Punkt, wo du dich fragst, ob das der richtige Weg sein kann. Momentan sind wir jedenfalls ein einem Punkt, wo wir einfach das wieder aufleben lassen wollen, was uns damals überhaupt erst so begeistert hat, dass wir angefangen haben. Andererseits ist eh jede Platte von uns eine Reaktion gegen die Vorgängerplatte. So kann man am einfachsten sicherstellen, dass man sich nicht festfährt. Ich meine, die Vorstellung, nur einfach alle zwei Jahre eine neue Platte zu machen und die dann zwei Jahre lang zu touren, die ist ja alles andere als aufregend. Deswegen reagieren wir immer gegen die letzte Platte.

Dabei ist ja der Prozess, dass Bands von Album zu Album ein bisschen den Fuß vom Gas nehmen, nur natürlich. Ich glaube, so funktioniert einfach unser Gehirn, unser Hormonhaushalt. Mit 20 ist man noch viel aufgekratzter. Mit dem Älterwerden, da kommt dann eine Erfahrung ins Spiel, eine gewisse Distanz, da ist man ja nicht mehr der kläffende, im Kreis rennende Hund. Seit der letzten Platte hast du auch die 30 überschritten.

Das stimmt schon, aber vielleicht ist es ja so: Man verspürt trotzdem noch einen Druck,  aber den lässt man dann eben ab, indem man diese Platte macht und indem man diese Shows spielt und hinterher geht‘s einem wieder besser. Man will Leuten ja auch nicht auf Dauer immer die gleichen Reden um die Ohren hauen. Die frustrierendste Phase in der Band, das war – obwohl unser zweites Album bestimmt unser wütendstes war – am frustrierendsten fand ich die „Men‘s Needs“-Phase, als wir tatsächlich kommerziellen Erfolg hatten. Davon habe ich mich damals viel eingeschränkter gefühlt als durch irgendetwas davor oder danach. Jetzt sind wir in der Position, wo wir einfach etabliert sind, und wo wir uns eigentlich alles erlauben können, worauf wir Lust haben, und das war eben, sich wieder darauf zu besinnen, was uns damals überhaupt erst zur Band gemacht hat. Das hat nicht unbedingt was mit Ärger zu tun. Das geht mehr ums Rohe, Spontane, ums Nicht-Sterile. Heute ist es so einfach geworden, Platten perfekt klingen zu lassen, weil es heute all diese Technologie gibt. Davon wollten wir wegkommen: Einfach live aufnehmen, die Fehler drin lassen, die andere rausschneiden würden – das ist doch oft das Interessanteste! Ich habe das Gefühl, dass im momentanen musikalischen Klima alles gegen Punk und gegen Rock arbeitet, dass alles sehr viel konservativer wird. Ich meine, okay, das macht ja auch irgendwo Sinn, wenn die Leute von gewissen Mega-Rockbands irgendwann zu viel haben. Aber es sieht mir so aus, als sei das Pendel statt dessen in die Richtung von sehr konservativer Musik ausgeschlagen. Naja, so wir jedenfalls wollten einfach die Verbindung wieder aufbauen zu dem, was uns damals überhaupt eine Band gründen ließ.

Ich glaube trotz allem: Wenn ihr eines Tages auf Euer Gesamtwerk zurück schaut, dann wird die Platte mit Johnny Marr eine prima Rolle einnehmen. Persönlich war es ja meine Lieblingsplatte 2010. Wenn man sich am Ende des Jahres hinsetzt und seine Liste macht, da saß sie oben.

Oh, echt? Danke!

Ach was, ich habe zu danken – mir hat die Platte ja echt viel gegeben. Jedenfalls, was ich sagen wollte: Wenn ihr euren Backkatalog anschaut, dann ist er nur umso reichhaltiger dafür, dass er eben auch eine Platte dieser Art enthält.

Auf jeden Fall! Wir bereuen ja nichts, es war eine interessante Phase für uns. Aber die Situation jetzt, wo‘s bloß meine zwei Brüder und ich sind, ein Crewmitglied, in unserem eigenen kleinen Van, das ist einfach das, was ich am meisten mag. Wir haben uns sie in Rockstar-Phantasien ergangen, wir hatten nie diese Ambition, ich bin damals DESWEGEN in dieser Band gelandet, weil DIES HIER genau das war, was ich machen wollte. Deswegen werden wir‘s wieder genau so machen, wenn wir nach Kontinentaleuropa kommen. In unserem eigenen Van, mit der nötigsten Backline. Anders macht‘s ja auch für uns gar keinen Sinn. Ich meine, in England, wo wir 5.000er-Hallen spielen, da können wir nicht so arbeiten, klar. Aber dieses 5.000er-Setup mit nach Europa zu nehmen, macht ja keinen Sinn. Da, glaube ich, machen auch viele Bands einen Fehler, wenn sie Übersee so behandeln, als wäre es das Gleiche wie in England. Das ist es nicht. Und mir macht es so am meisten Spaß.

Als die Platte mit Johnny Marr rauskam, sprach ich mit Ryan, und er meinte, dass ihr alle an euren Instrumenten verbessern musstet, jetzt wo ihr einen der besten Gitarristen überhaupt in der Band hattet. Spielt das bei der neuen Platte noch eine Rolle? Oder seid ihr davon vielleicht sogar absichtlich wieder weggegangen?

Naja, also, klar, diese Platte klingt unmittelbarer und mehr live. Aber ich finde, dass deswegen trotzdem genauso Musikalität und Songwriting-Handwerk darauf sind. Ich denke nicht, dass wir musikalisches Können jetzt abgelegt oder sabotiert hätten. Wenn man sich die Platte anhört… ich hoffe, die Leute finden sie jetzt nicht eindimensional, nur weil sie lärmiger ist.

Was mich überrascht hat: Ich las, die Platte wurde zum einen Teil produziert von Steve Albini – gut, der ist bekannt dafür, dass er sehr direkt und laut produziert. Zum anderen Teil aber produzierte Dave Fridmann, den man von Mercury Rev, Sparklehorse, Flaming Lips kennt. Bevor ich das Album hörte, erwartete ich also eine zweigeteilte Platte, bei der ich klar unterscheiden können würde, was von Steve Albini und was von Dave Fridmann produziert worden war. Ich kann‘s aber nicht unterscheiden.

Es ist nur ein Steve Albini – Song drauf! Wir haben mehr Songs mit ihm gemacht, aber die haben wir noch zurück gehalten, für eine spätere Platte. Wir wollen dieses Jahr möglichst noch mal mit ihm ins Studio. Aber zwei Hälften gibt es trotzdem, wir haben natürlich ganz klar die Songs entsprechend ausgesucht. Wir kennen ja die Stärken von Dave Fridmann, und wir wussten, für welche Songs er der Richtige wäre. Der einzige Steve Albini-Song ist „Chi-Town“, denn das ist der nach vorne gehende Punk-Popsong. Und für nach vorne gehende Punkpopsongs gibt‘s nun mal niemand besseren. Vor allem die zweite Hälfte der Platte, die wir in den Abbey Road Studios aufgenommen haben, die haben wir von Dave mixen lassen, weil uns klar war, dass er das besonders gut kann. Da gibt‘s viele Schichten und verschiedene Instrumente, da haben wir Dave eingesetzt, und Steve, der ist halt mehr dafür da, die Live-Energie einzufangen.

Ihr habt noch auf jeder Platte mit anderen Produzenten gearbeitet. Macht ihr das, damit jede Platte was Neues ist oder sucht ihr nur nach dem Richtigen?

Na, es ist doch immer aufregend, es ist doch eine tolle Chance, jedes Mal, wenn man eine Platte aufnehmen darf! Wenn man dann immer mit der gleichen Person arbeiten würde, dann wäre das doch, wie wenn man auf Nummer Sicher geht. Da ziehe ich es doch vor, diese Spannung zu erleben, jemand Neues zu treffen! Und zu sehen, wie diese Person das interpretiert, was du machst. Das ist doch eine große Gelegenheit, wir arbeiten wirklich gerne mit anderen Leuten zusammen. Gerade, weil wir drei Brüder sind und natürlich sehr ähnlich ticken. So sehr, dass wir manchmal wie eine Einheit denken. Da ist es echt gut, wenn da eine Außenperspektive reinkommt. Aber jetzt, wo ich das gesagt habe, muss ich auch sagen: Ich würde auf jeden Fall sowohl mit Steve Albini als auch mit Dave Fridmann sofort wieder arbeiten. Das sind die zwei auf der Welt, bei denen ich mir völlig sicher bin. Wie gesagt, die nächste Platte machen wir ziemlich sicher mit Steve Albini.

Jetzt hast du gerade erwähnt, was für eine Einheit ihr Brüder seid – aber du lebst nicht mehr in Großbritannien, sondern bist nach Portland gezogen. Wie wirkt sich das auf die Band aus?

Ich glaube, es tut uns durchaus gut. Wenn man jetzt zusammen ist, dann arbeitet man konzentrierter und hat mehr Spaß an der Sache. Wenn man jeden Tag aneinander klebt, dann kann das stressen. Aber wenn man weiß: Man hat sich jetzt nur für einen bestimmten Zeitraum, dann pusht einen das. Wenn man dann wieder die Chance hat, miteinander zu spielen, dann will man‘s auch unbedingt nutzen. Es läuft gut!

… und damit komme ich auch schon ans Ende meiner Fragen. Ich schließe meine Interviews gerne mit einer Anekdote ab und frage dann: „Was war die verrückteste Show, die ihr je gespielt habt?“ Also, fällt dir etwas dazu ein?

Als wir gerade angefangen hatten, so 2002, da spielten wir ein Konzert anlässlich der Thronjubiläums der Königin in einem Park bei uns in der Gegend. Das war echt ein Alptraum, denn die Veranstaltung war überhaupt nicht auf eine Rockband ausgerichtet. Vor uns trat nur eine Kindergruppe mit Hoola-Hoop-Reifen auf, und dann kamen wir – und das Publikum bestand nur aus Besoffenen, die uns angepöbelt haben. Wir haben dann auch das Schlagzeug zetrümmert. Nach uns kam ein Orchester mit einer Opernsängerin, die echt was konnte – es war wirklich lächerlich. Irgendwann war auch noch der Strom weg, weil irgendjemand seine Bulldogge an den Generator angeleint hatte und diese Bulldogge zog dann die Kabel raus. Es war echt mies organisiert. Das war wirklich der schlimmste Gig, den wir je gespielt haben.

Und das alles zu Ehren der Königin!

Echt jetzt.

Wer kam da auf Euch? Ich hätte euch jetzt nicht als große Fans der Queen eingeschätzt.

Genau – nur drei Jahre danach spielten wir mit den Sex Pistols zum Jubiläum von „Never Mind The Bollocks“! Wir sind eine Band der Widersprüche!

Und damit wünsche ich euch heute abend viel Erfolg bei der Show in New York – und ich hoffe, ihr spielt bald mal wieder im Atomic?

Das würde mir gefallen! Ich liebe den Laden! Hoffentlich klappt das bald wieder!